Paolo Bonolis torna in prima serata su Canale 5 con Taratata e lo fa con un’idea semplice, quasi sovversiva per la tv generalista: la musica non come contorno, non come “momento”, non come intermezzo da incastrare tra chiacchiere e scalette, ma come centro fisico e narrativo dello show. Letteralmente. Perché il palco sarà piazzato al centro della ChorusLife Arena di Bergamo e tutt’intorno, come un anfiteatro contemporaneo, 4500 spettatori assisteranno a un doppio evento registrato per andare in onda questa sera e lunedì prossimo. Nelle intenzioni del conduttore, della rete e della produzione, sarà «una bella occasione per godere della musica in una maniera diversa, con un grande impatto televisivo».

La promessa è chiara: togliere alla musica quel trucco da varietà che la trasforma in vetrina e rimetterla nel suo habitat naturale, il live. Bonolis insiste su un punto che oggi vale come un manifesto: «non è una gara, è solamente un modo per esibirsi e godere appieno di quella che è la musica italiana». E intorno a questa frase ruota tutto il progetto: artisti, band, strumentazioni, incroci e soprattutto duetti costruiti per sorprendere senza l’ansia del punteggio.

Il palco al centro e l’arena come “camera sonora”
Non è solo scenografia. La scelta dell’arena e del palco “in mezzo” serve a ribaltare l’impostazione classica dello show musicale: niente pubblico come fondale e niente cantante come figurina davanti a led wall, ma una struttura che costringe la regia a seguire i musicisti, i movimenti, le reazioni, il respiro. Bonolis parla di un gioco collettivo, di un entusiasmo condiviso: «Ci divertiamo a giocare con le canzoni, a giocare, a vedere cover inedite, duetti e trielli particolari». E aggiunge il motivo per cui, in un formato del genere, l’energia fa davvero la differenza: «L’importante è che sia fatto con divertimento e con entusiasmo, anche perché sono tante le persone che si sono messe insieme per creare questa bellissima circostanza».

Il cast, almeno sulla carta, è l’argomento più forte: stasera Biagio Antonacci, Emma, Elisa, Giorgia, Ligabue e Max Pezzali, con un intermezzo comico di Giorgio Panariello. La prossima settimana Annalisa, Alessandra Amoroso, Luca Carboni, Gigi D’Alessio, Fiorella Mannoia, Negramaro e un’incursione di Edoardo Leo. L’idea di Canale 5 è farne un appuntamento stabile, e qui la scommessa è doppia: puntare su un brand riconoscibile e, allo stesso tempo, farlo vivere come evento.

Duetti, cover e quella “botta” Morricone in stile Metallica
Taratata arriva con una scaletta che sembra scritta apposta per far parlare di sé, ma senza l’ansia del “momento virale” costruito a tavolino. L’apertura, ad esempio, è una dichiarazione di gusto: «Sono felice perché i musicisti hanno accolto la mia richiesta di fare un omaggio a Morricone suonando Ecstasy of gold in stile Metallica, una bella botta rock forte forte per iniziare». È Bonolis che sceglie l’impatto, non l’applauso educato.

Poi c’è Giorgia, che attraversa i suoi brani e li contamina con una cover che è un classico internazionale: canterà Corpi celesti, Gocce di memoria e altre, compresa Human nature di Michael Jackson. Ma il cuore del format sono gli incroci: Giorgia con Max Pezzali in Hanno ucciso l’uomo ragno, Giorgia con Emma in Oro nero. E anche Elisa, che condividerà il palco con Caterina Caselli su Insieme a te non ci sto più. Il senso è quello: non una passerella di “pezzi”, ma un montaggio di identità musicali che si toccano, si scambiano e si sorprendono.

La storia di Taratata e il binario narrativo “dei luoghi”
Il format ha un pedigree preciso. Taratata nasce in Francia all’inizio degli anni Novanta, arriva in Italia sulla Rai nel 1998 e resta in onda per quattro edizioni, con conduttori diversi negli anni: Enrico Silvestrin, Marco Morandi, Natasha Stefanenko e Vincenzo Mollica. Una memoria televisiva che pesa, perché quel tipo di musica in tv, suonata davvero, è rimasta per molti uno standard a cui guardare.

Bonolis, però, sa che oggi non basta chiamare grandi nomi e farli suonare: serve un filo. E lo dice senza giri: «In una trasmissione di musica bisogna trovare essere un binario di narrazione e noi l’abbiamo individuato nei luoghi dove nasce una canzone. Luoghi che rimangono poi nell’anima di chi le scrive e di chi le interpreta, come in questo caso la provincia, la metropoli e le periferie, come nell’intervento di Panariello». È la chiave che prova a tenere insieme spettacolo e racconto, palco e memoria.

In chiusura, la promessa di un finale “da stadio”: Ligabue con Certe notti. E intanto Bonolis apre una finestra sul suo calendario televisivo: dice che in autunno tornerà con Il senso della vita, ma che non farà Ciao Darwin e non pensa di tornare a condurre Sanremo. Il punto, per lui, resta lo stesso: «La soglia del successo… è quando faccio un prodotto che mi piace e porta entusiasmo a me e a chi partecipa». Taratata nasce esattamente da lì: una festa costruita per essere ascoltata, prima ancora che commentata.

C’è un confine sottile, nel mondo dello spettacolo, tra intimità professionale e fantasia collettiva. Ed è proprio lì che, ciclicamente, nasce il gossip. Simone Folco, giovane stilista e assistente personale di Patty Pravo, ha deciso di intervenire per chiarire una voce che negli ultimi tempi è tornata a circolare con insistenza: non è il “toy boy” della cantante.

Le sue parole sono nette e prive di retorica. “Per me Nicoletta è famiglia. Per lei io sono famiglia”, spiega Folco, chiamando Patty Pravo con il suo vero nome, Nicoletta Strambelli, quasi a voler riportare il discorso su un piano intimo e reale, lontano dalle etichette da copertina.

Un rapporto costruito nel tempo, non sul gossip
Da quasi tredici anni Folco lavora al fianco di Patty Pravo ogni giorno. Abiti, dischi, partecipazioni televisive, concerti: una presenza costante che va ben oltre il ruolo formale di assistente o stylist. “Per stare tante ore di ogni giorno a stretto contatto non può che esserci un rapporto autentico”, dice. Un’affermazione che sposta l’attenzione dal pettegolezzo alla quotidianità di un lavoro totalizzante.

Non c’è un orario che segna la fine della giornata, né una distanza netta tra professione e vita privata. “Non è che a una certa ora il mio lavoro finisce”, chiarisce Folco, sottolineando come questo tipo di relazione professionale possa reggersi solo su una base solida di fiducia e affetto reciproco.

Affetto, non ambiguità
Il punto centrale del suo intervento è proprio questo: l’affetto. Non quello costruito per alimentare una narrazione ambigua, ma quello necessario per sostenere un rapporto così stretto e continuativo. “Deve esserci alla base un grande affetto per farlo. Per lo meno questa è la mia visione”, aggiunge, mettendo una distanza chiara da tutto ciò che è stato scritto o insinuato.

La precisazione finale è la più esplicita: “Non c’è nient’altro come hanno scritto in molti”. Una frase che non lascia spazio a interpretazioni e che chiude, almeno dal suo punto di vista, una lettura maliziosa del legame con una delle icone più libere e inclassificabili della musica italiana.

Patty Pravo, libertà e fraintendimenti
La storia personale e artistica di Patty Pravo, del resto, ha sempre spiazzato. Libertà, anticonformismo, rapporti fuori dagli schemi: elementi che spesso portano l’opinione pubblica a proiettare storie dove esistono invece relazioni di lavoro profonde e durature. In questo caso, Folco rivendica con semplicità un ruolo fatto di dedizione quotidiana, non di scandalo.

Il messaggio è chiaro: dietro le luci del palco e le fotografie rubate, esistono rapporti che funzionano perché sono basati su rispetto e lealtà. Tutto il resto, ancora una volta, è solo rumore.

Due giorni. Tanto è bastato a Streets of Minneapolis per diventare la canzone più scaricata negli Stati Uniti. Un tempo minimo, quasi simbolico, che dice molto più di mille analisi sullo stato della musica e della politica americana. Il nuovo brano di Bruce Springsteen non nasce per scalare le classifiche, ma per prendere posizione. E proprio per questo finisce in cima: perché quando un artista non chiede permesso, spesso trova un pubblico che non aspettava altro che sentirsi dire la verità senza trucco.

Pubblicata il 28 gennaio, con la rilevazione chiusa il giorno successivo, la canzone ha venduto 16.000 copie digitali in meno di 48 ore, debuttando direttamente al numero uno della classifica Digital Song Sales di Billboard. È il primo primato del Boss in questa graduatoria, attiva dal 2004, ed è anche il suo primo ingresso nella top 20 dei download digitali. Il dato tecnico è impressionante, ma quello culturale lo è di più: in un’epoca in cui si misura tutto in “engagement”, Springsteen piazza un colpo vecchia scuola, diretto, comprabile, misurabile, e lo fa senza chiedere l’elemosina dell’algoritmo.

Streets of Minneapolis è una canzone apertamente politica, costruita attorno alle tensioni esplose in una città che negli ultimi anni è diventata simbolo di fratture sociali e ferite collettive. Il bersaglio è l’Ice, l’agenzia federale per l’immigrazione: non un concetto astratto, ma un apparato concreto, un nome che divide e incendia. Non è una metafora elegante né una poesia inoffensiva: è una presa di posizione. E l’effetto è quello che di solito si dice impossibile: la musica di protesta, quella vera, riesce ancora a farsi ascoltare anche da chi non si considera “militante”.

Qui la differenza la fa la credibilità. Springsteen non arriva a queste parole perché “fa tendenza”, né perché è il momento giusto per cavalcare l’onda. Arriva perché, nel bene e nel male, da decenni racconta un’America che non si riduce a slogan e bandiere. La racconta dal basso, dalle periferie, dai lavori che non fanno notizia, dalle strade dove la politica non è un talk show ma una cosa che ti cambia la vita. Quando un artista con questa storia parla di potere, non sembra propaganda: sembra esperienza.

E infatti la velocità con cui il brano è esploso è il vero segnale. In un mercato saturo, dove l’attenzione dura poche ore e le canzoni si consumano come contenuti usa e getta, una traccia di denuncia, senza l’armatura del tormentone, riesce a imporsi in due giorni. Significa che intercetta qualcosa di reale, di irrisolto, di ancora bruciante. Significa che, sotto la superficie delle playlist, esiste un pubblico che non vuole solo distrarsi: vuole riconoscersi, vuole capire da che parte stare, vuole un linguaggio emotivo che non sia anestetizzato.

C’è poi un elemento quasi ironico: il Boss conquista un primato digitale tardi, molto tardi, come se il suo rapporto con la contemporaneità non passasse dalle piattaforme ma dal contenuto. È come se avesse aggirato la giostra del “viral” e fosse entrato dalla porta principale: quella delle persone che scaricano un brano perché lo vogliono, non perché gliel’hanno infilato davanti dieci volte. In un mondo che misura tutto in ascolti passivi, il download è ancora un gesto attivo. E sedici mila gesti attivi, in due giorni, sono una dichiarazione collettiva.

Il punto, però, non è solo la canzone: è ciò che racconta del clima. Oggi molti artisti trattano l’impegno come un accessorio: una spilla, una frase, un post, poi si torna subito alla normalità. Springsteen fa l’opposto: non mette il messaggio in cornice, lo mette al centro. E così il brano diventa un oggetto politico che vive nel mercato pop senza chiedere scusa. È la dimostrazione che la cultura pop, quando vuole, può ancora mordere. Può ancora disturbare. Può ancora essere una cosa adulta, non per forza “carina”.

A chi dice che esporsi è sempre un rischio, questa storia risponde con un’altra verità: a volte il rischio è il silenzio. Perché il silenzio non è neutrale, è una scelta. E in certe stagioni, quando l’aria si fa tossica e la società si polarizza, chi tace non resta fuori dalla partita: semplicemente lascia che la partita venga giocata da altri. Springsteen, invece, entra. E la cosa più interessante è che il pubblico lo segue.

Sedici mila download in due giorni non sono solo un numero. Sono un segnale, e anche un promemoria: la protesta non è morta, è solo stata spinta ai margini da anni di intrattenimento automatico. Ma quando torna con una voce riconoscibile, quando si presenta come gesto coerente e non come posa, può diventare perfino un successo commerciale. In altre parole: non è vero che “la politica non vende”. Vende eccome, se è vera. E se chi la canta non sembra un testimonial, ma uno che ci crede davvero.