Se c’è una caratteristica che ha sempre contraddistinto Quentin Tarantino è la sua incapacità di essere diplomatico quando si parla di cinema. Il regista statunitense, due volte premio Oscar per la sceneggiatura, non ha mai nascosto le proprie opinioni sui colleghi e sulle tendenze dell’industria cinematografica. E il suo ultimo intervento rischia di far discutere ancora una volta.

In un saggio pubblicato sulla storica rivista britannica Sight and Sound, Tarantino ha espresso un giudizio severissimo sulla produzione cinematografica successiva alla pandemia di Covid-19. Secondo il regista, gran parte dei film usciti negli ultimi anni non è riuscita a restituire quella magia che per decenni ha reso il cinema una delle forme d’arte più amate dal pubblico.

“Hollywood ha perso qualcosa”

Nelle sue riflessioni, Tarantino sostiene che molte opere recenti siano caratterizzate da problemi di scrittura, personaggi poco credibili e una crescente tendenza a costruire prodotti pensati più per soddisfare algoritmi e aspettative commerciali che per raccontare storie autentiche.

Un giudizio che si inserisce in un dibattito sempre più acceso all’interno dell’industria cinematografica. Negli ultimi anni diversi registi hanno manifestato preoccupazione per il predominio delle piattaforme streaming, per la crescente standardizzazione dei blockbuster e per la difficoltà di realizzare opere originali capaci di conquistare il grande pubblico.

Secondo Tarantino, il cinema contemporaneo avrebbe perso parte di quella capacità di sorprendere e coinvolgere emotivamente gli spettatori che caratterizzava molte produzioni del passato.

Le eccezioni che hanno conquistato il regista

Nonostante le critiche, Tarantino non ha risparmiato alcuni elogi. Tra i film che ha apprezzato maggiormente figura il remake di West Side Story diretto da Steven Spielberg, che secondo molti critici rappresenta uno degli adattamenti musicali più riusciti degli ultimi anni.

Il regista ha inoltre espresso apprezzamento per il progetto western Horizon: An American Saga firmato da Kevin Costner, ambiziosa epopea dedicata alla conquista dell’Ovest americano.

Particolarmente positivo anche il giudizio su The Rip, thriller poliziesco diretto da Joe Carnahan e interpretato da Matt Damon e Ben Affleck. Tarantino ha definito la sceneggiatura una delle componenti più riuscite dell’opera, sottolineando come il film riesca a mantenere alta la tensione senza rinunciare alla costruzione dei personaggi.

I film del cuore del XXI secolo

Non è la prima volta che Tarantino si lascia andare a classifiche e giudizi. Negli ultimi mesi il regista aveva già indicato alcune delle opere che considera tra le migliori del nuovo millennio. Tra queste figurano Black Hawk Down di Ridley Scott, il film d’animazione Toy Story 3 e Lost in Translation.

Tre opere molto diverse tra loro ma accomunate, secondo il regista, dalla capacità di coinvolgere emotivamente lo spettatore e di lasciare un segno duraturo nella memoria.

Dal cinema al teatro

Mentre il dibattito sulle sue dichiarazioni continua ad animare il mondo dello spettacolo, Tarantino guarda già al futuro.

Il regista è infatti impegnato nella preparazione della sua prima grande produzione teatrale, intitolata The Popinjay Cavalier. Lo spettacolo dovrebbe debuttare nel West End londinese nel 2027 e viene descritto come una commedia d’avventura ispirata ai classici racconti di cappa e spada.

Una scelta che conferma come, dopo aver rivoluzionato il linguaggio cinematografico degli ultimi trent’anni, Tarantino continui a cercare nuove strade per raccontare storie.

Quando un film da centinaia di milioni di dollari fallisce, Hollywood ha bisogno di un colpevole. È una regola non scritta dell’industria. E nel caso di Biancaneve quel colpevole ha avuto un nome e un cognome ben precisi: Rachel Zegler.

Per mesi l’attrice è stata indicata come la principale responsabile del tracollo del film. Le sue dichiarazioni sul classico Disney, le critiche rivolte alla figura del principe, definito in un’intervista quasi uno “stalker”, e alcune sue prese di posizione politiche hanno alimentato una tempesta mediatica che non si è più fermata. Ma raccontare il disastro di Biancaneve come la storia di una sola attrice che avrebbe affondato un colosso da 250 milioni di dollari significa ignorare una quantità impressionante di problemi che hanno accompagnato il progetto fin dall’inizio.

Rachel Zegler trasformata nel capro espiatorio perfetto

Fin dall’annuncio del casting, Rachel Zegler è stata travolta dalle polemiche. Una parte del pubblico conservatore e nostalgico contestò la scelta di affidare il ruolo di Biancaneve a un’attrice di origini latinoamericane, sostenendo che il personaggio descritto come “bianca come la neve” dovesse essere interpretato da una donna caucasica.

Le dichiarazioni successive dell’attrice non aiutarono a calmare le acque. Zegler parlò della necessità di aggiornare la fiaba ai tempi moderni e criticò alcuni aspetti della storia originale. Da quel momento diventò il bersaglio ideale di una guerra culturale che ormai accompagna quasi ogni grande produzione Disney.

Ma fermarsi qui significa ignorare il resto.

Il caso Gal Gadot e la guerra politica che travolse il film

Uno degli aspetti meno raccontati della vicenda riguarda la presenza nel cast di Gal Gadot, interprete della Regina cattiva. Dopo il 7 ottobre 2023 Gadot è diventata una delle voci più visibili a sostegno di Israele nel mondo dello spettacolo internazionale.

Dall’altra parte Rachel Zegler ha espresso più volte sostegno alla causa palestinese e ad aiuti umanitari destinati a Gaza. Il risultato è stato surreale: il film si è ritrovato con le sue due protagoniste simbolicamente schierate su fronti opposti di uno dei conflitti più divisivi del pianeta.

La promozione si è trasformata in un campo minato. Sui social sono comparsi appelli al boicottaggio provenienti da entrambe le parti. Molti spettatori discutevano di Medio Oriente molto più che della trama del film. E Disney si è trovata a gestire una situazione che nessun ufficio stampa avrebbe mai voluto affrontare.

Nani in CGI, polemiche infinite e una favola che non interessava più a nessuno

Come se non bastasse, il film è stato investito da un’altra controversia gigantesca. Dopo le critiche dell’attore Peter Dinklage sulla rappresentazione dei nani, Disney decise di modificare radicalmente il progetto. La scelta finale di realizzare i personaggi in CGI scatenò però nuove proteste, comprese quelle di molti attori affetti da nanismo che si videro privati di possibili opportunità lavorative.

Nel frattempo il budget continuava a crescere fino a trasformare Biancaneve in uno dei live action più costosi della storia Disney. Ogni settimana emergeva una nuova polemica. Ogni trailer generava nuove discussioni. Ogni intervista diventava motivo di scontro ideologico.

Quando finalmente il film arrivò nelle sale, la favola era ormai passata in secondo piano. Il pubblico non parlava più di Biancaneve, ma di casting, politica, inclusione, Israele, Palestina, social network e guerre culturali.

Ed è probabilmente qui che si trova la vera spiegazione del flop. Non in Rachel Zegler da sola. Non in Gal Gadot da sola. Non nei nani in CGI da soli. Ma in una miscela esplosiva di errori creativi, comunicativi e politici che ha finito per soffocare il film ancora prima che gli spettatori potessero giudicarlo per quello che era.

Perché alla fine, più che una principessa addormentata, Biancaneve è sembrata una produzione schiacciata da tutto ciò che le ruotava intorno.

Con la morte di Zeudi Araya si chiude una pagina particolare e affascinante del cinema italiano. Aveva 75 anni e per un’intera generazione è stata il volto di una bellezza esotica e magnetica che negli anni Settanta conquistò il pubblico e i produttori del nostro Paese. Molto prima che la diversità diventasse un tema centrale nel dibattito culturale, Zeudi Araya riuscì a imporsi sul grande schermo diventando, di fatto, una delle prime grandi star nere del cinema italiano.

La sua storia sembra uscita da un romanzo. Nata a Decamerè, in Eritrea, nel 1951, in una famiglia benestante con un padre diplomatico, entrò giovanissima nel mondo della notorietà. A soli sedici anni vinse il concorso di Miss Etiopia, anche se dichiarò di averne diciotto per poter partecipare. A incoronarla fu addirittura l’imperatore Hailé Selassié. In premio ricevette una Mercedes bianca e un biglietto aereo per Roma. Fu l’inizio di una vita completamente diversa.

Dalla passerella ai film che la resero famosa

Arrivata in Italia, Zeudi Araya attirò immediatamente l’attenzione per il suo fascino straordinario. Negli anni Settanta divenne uno dei volti più riconoscibili del filone esotico-erotico che in quel periodo riempiva le sale cinematografiche. Film come La ragazza dalla pelle di luna, La peccatrice e La preda la trasformarono in una vera icona popolare.

La sua carriera prese una svolta ulteriore quando entrò nella vita del potente produttore Franco Cristaldi, uno degli uomini più influenti del cinema italiano, già legato in passato a Claudia Cardinale. Il matrimonio con Cristaldi le consentì di selezionare con maggiore attenzione i propri progetti, abbandonando progressivamente i ruoli più legati all’immagine esotica che l’aveva resa famosa.

Il successo accanto ai grandi comici italiani

Negli anni successivi Zeudi Araya apparve in produzioni più prestigiose e popolari. Memorabile la sua partecipazione a Il signor Robinson, mostruosa storia d’amore e d’avventure accanto a Paolo Villaggio, uno dei maggiori successi della commedia italiana degli anni Settanta.

Lavorò anche in Tesoromio insieme a interpreti amatissimi dal pubblico come Johnny Dorelli, Renato Pozzetto, Enrico Maria Salerno e Sandra Milo. Poi, quando la sua carriera sembrava ancora poter offrire molto, decise di allontanarsi progressivamente dalla recitazione per reinventarsi come produttrice.

«In Italia ero una star, in Etiopia una vergogna»

Negli ultimi anni Zeudi Araya aveva ripercorso più volte la propria storia, raccontando anche il prezzo pagato per la fama. Una frase in particolare era rimasta impressa: «In Italia ero una star, in Etiopia una vergogna». Parole che sintetizzano il conflitto vissuto da una donna che, scegliendo la libertà e la carriera, si trovò spesso a fare i conti con i pregiudizi della società da cui proveniva.

Con il passare del tempo, però, quella che era stata guardata con sospetto divenne un simbolo di emancipazione e successo. Oggi resta il ricordo di una figura unica nel panorama cinematografico italiano: una donna arrivata dall’Africa con una corona da reginetta di bellezza e capace di conquistare un posto nella storia del nostro cinema.