Anche Britney Spears incassa il suo “Tfr” pop. La principessa che ha dominato classifiche, copertine e playlist per oltre vent’anni ha venduto i diritti del suo vastissimo catalogo alla casa editrice musicale Primary Wave. L’accordo, firmato il 30 dicembre secondo quanto riportato da TMZ e Variety, viene definito “storico” e accostato per dimensioni a quello da 200 milioni di dollari siglato da Justin Bieber. La cifra esatta non è stata resa pubblica, ma il paragone basta a far capire la portata dell’operazione.

Dentro il pacchetto ci sono canzoni che hanno scolpito un’epoca: da “…Baby One More Time” a “Oops!… I Did It Again”, da “Toxic” a “Gimme More”, passando per “Lucky”, “Stronger”, “Circus”, “Womanizer”, “I’m a Slave 4 U” e “Till the World Ends”. Un repertorio che non è solo una collezione di singoli, ma una macchina da royalties che continua a girare tra streaming, sincronizzazioni, spot e utilizzi cinematografici.

Un catalogo che vale oro (anche senza nuovi album)

Britney non pubblica un album dal 2016, quando uscì “Glory”. E non si esibisce dal vivo dall’ottobre 2018, quando concluse il tour “Piece of Me” con un concerto al Gran Premio di Formula 1 ad Austin, in Texas. Doveva tornare a Las Vegas nel 2019 con la residency “Domination”, dopo il successo di “Britney Spears: Piece of Me”, ma il progetto fu rinviato e poi cancellato. Da allora, ritiro dalle esibizioni a tempo indeterminato.

In questo contesto, la vendita del catalogo appare come una scelta finanziaria razionale. Secondo Variety, Sony Music detiene e controlla i diritti dell’intero catalogo musicale di Spears, e l’accordo con Primary Wave sembrerebbe includere anche la cessione dei diritti sulle royalties, cioè i pagamenti contrattuali che spettano al titolare del copyright. In pratica, monetizzare oggi ciò che continuerà a produrre rendite negli anni.

Il grande esodo delle star verso i fondi musicali

Britney non è un’eccezione. Negli ultimi anni molti big hanno scelto di vendere il proprio repertorio: Justin Bieber, Bruce Springsteen, Bob Dylan, Paul Simon, Neil Young, Shakira, i KISS, Sting, Phil Collins e Stevie Nicks. Per alcuni è una scelta strategica, per altri una forma di consolidamento patrimoniale. In ogni caso, è un trend chiaro: i cataloghi musicali sono diventati asset finanziari appetibili per fondi e case editrici.

Primary Wave è una delle realtà più attive in questo settore, specializzata proprio nell’acquisizione di diritti e nella valorizzazione di repertori iconici. Un marchio che punta su nostalgia, sfruttamento crossmediale e nuove opportunità di licensing.

Una nuova fase per la principessa del pop

Secondo TMZ, Britney sarebbe “soddisfatta della vendita” e avrebbe festeggiato trascorrendo del tempo con i suoi figli. Un dettaglio privato che racconta il clima di questa operazione: meno palco, meno riflettori, più gestione del patrimonio artistico accumulato in carriera.

La popstar che ha incarnato gli eccessi, le cadute e le rinascite dell’industria musicale ora sceglie la via della liquidità e della stabilità. Nessun nuovo album all’orizzonte, nessun tour annunciato, ma un patrimonio musicale che continua a vivere – e a incassare – anche senza di lei sul palco. Nel grande mercato globale dei diritti, anche Britney ha fatto cassa. E il suo catalogo, da oggi, è ufficialmente un investimento.

Il Festival è una macchina che macina rumore prima ancora di macinare musica.E Carlo Conti, che di quella macchina conosce ogni bullone, ha scelto di farla inceppare nel punto più delicato: il futuro. Ospite a Il pomeriggio di Radio2, con Savino Zaba e Diletta Parlangeli, nel pieno delle prove della nuova edizione, il direttore artistico e conduttore ha fatto ciò che a Sanremo si fa raramente: ha parlato come se fosse già il giorno dopo. E lo ha fatto con una frase che, in tempi di mezze smentite e mezze promesse, suona come una chiusura a chiave.

«Questo sarà il mio ultimo Sanremo, voglio dire, quando arrivi a cinque sono già abbastanza. Va bene anche che ogni tanto ci sia questa alternanza, portare idee nuove, entusiasmo nuovo, sonorità nuove. È una delle forze del Festival che ha periodicamente questi cambi di passo».
Punto. Firma. E consegna ai curiosi la frase perfetta per aprire la caccia al dopo-Conti, perché Sanremo è così: non finisce mai, cambia pelle e riparte subito, come un animale notturno.

Ma Conti non si limita al colpo di scena. Riporta la discussione al suo territorio preferito, quello dove – dice lui – quando passa il fumo resta la sostanza. E anche qui l’immagine scelta è di quelle che si ricordano: «La cosa fondamentale è la musica. Quando poi va via tutto questo fumo che si crea intorno prima del festival, rimane questa bellissima bistecca sulla griglia che è la musica, con il contorno di belle cose intorno».
È un modo elegante per dire: fate pure casino, ma alla fine contano le canzoni. E infatti aggiunge: «Spero, come è successo negli anni passati, che poi queste canzoni siano trasmesse in radio e diventino parte integrante delle nostre giornate». È la versione Conti del “non mi interessano le polemiche”: non le nega, semplicemente le mette a dieta.

Poi entra nel dettaglio che ai fan della scaletta interessa quasi più della classifica: i generi, i tempi, il ritmo. E qui Conti si diverte, perché è il suo mestiere: tenere insieme trenta brani, ospiti, monologhi, stacchi, orchestra e quel cronometro che a Sanremo è più temuto del giudizio della sala stampa. «Quest’anno c’è una varietà ancora maggiore nei generi: tanti brani lenti d’amore e di sentimenti che raccontano storie personali, ma c’è anche il rock, i ritmi latini, il country, il rap puro. Tante sfumature diverse che forse lo scorso anno non avevo avuto la fortuna di avere».
Traduzione: più colori, più rischi, più possibilità che qualcuno si lamenti comunque.

E siccome il Festival non perdona chi si annoia, Conti la butta sul personale con una frase che sembra una battuta, ma è un manifesto di conduzione: «Vengo dalla radio, quindi il ritmo è fondamentale. Se mi annoio rischio di fare auto-zapping da solo». Qui si capisce perché insiste sul ruolo del conduttore come “regista in scena”: «La differenza fra condurre un programma e presentarlo è proprio questa: il conduttore detta i tempi, è una sorta di regista in scena. Il mio ruolo è dare ritmo e la scansione giusta delle cose che accadranno sul palco».
È Conti che, con un sorriso, ricorda a tutti che Sanremo non è una festa comandata: è un equilibrio precario tra spettacolo e resistenza fisica.

Sui tempi, non fa promesse miracolose. Al contrario, mette le mani avanti con la sincerità di chi conosce il mostro: «La prima sera, il venerdì e il sabato, avendo tutti e 30 i brani, supereremo l’una… ma c’è anche il Dopofestival e non voglio dare la linea troppo tardi».
E quando gli chiedono delle notti sanremesi, il racconto è quasi surreale per quanto è “normale”: «Come finisco vado subito in albergo, riesco ad addormentarmi immediatamente e la mattina mi sveglio. Magari non sono otto ore ma sette e me le dormo tutte di filata».Uno che, in mezzo al frastuono più chiacchierato d’Italia, dorme come un sasso. Invidiabile, più che credibile.

Il lato privato, a Sanremo, è sempre un test: o ti umanizza o ti espone. Conti sceglie la prima strada, con la scena più tenera e comica insieme: il figlio Matteo. «Mio figlio Matteo verrà qui per una settimana, è felicissimo solo perché non andrà a scuola. Ma si è raccomandato: non gli devo presentare nessuno dei cantanti, è molto distaccato da questo… credo che andrà a pescare».
Cioè: tuo padre dirige il Festival, e tu vuoi solo scappare coi pesci. Il miglior antidoto al “Sanremo-centrismo” mai sentito.

Fin qui la versione Conti: musica, mestiere, disciplina, ritmo. Poi, però, arriva la parte che fa esplodere davvero il termometro del gossip politico-televisivo. Perché, in questa edizione, Conti è stato anche ospite ad Atreju, e intorno a Sanremo – come sempre – si è provato a infilare una narrazione che non c’entra con le canzoni. La voce più grossa? La presenza di Giorgia Meloni alla prima serata. E Conti la abbatte senza neanche prendersi il gusto dell’ambiguità: la bolla come «fake troppo grossa che rasenta la fantascienza».
Non un “non mi risulta”, non un “vedremo”: proprio una smentita che sa di liberazione, come quando si chiude la porta a una festa indesiderata prima che inizi.

E mentre Conti chiude il suo capitolo, il mercato delle ipotesi apre il successivo. Qui entra in scena il retroscena che rimbalza già da settimane: per il Festival dell’anno prossimo, “come Candela dixit”, si parla del ticket con Stefano De Martino in conduzione e Fabrizio Ferraguzzo, manager dei Måneskin, come direttore musicale. È la tipica trama sanremese: una frase, un’ipotesi, un nome che fa rumore, e subito sembra tutto inevitabile. Conti non commenta direttamente, ma il suo addio annunciato è benzina: quando il posto si libera, anche solo per davvero “nel futuro”, tutti iniziano a misurare la poltrona.

C’è un’ultima cosa che spicca proprio perché manca: nessuna parola sul caso Pucci. Silenzio totale. E il silenzio, a Sanremo, non è mai neutro: è scelta, prudenza o semplice “non è questo il momento”. Conti, fedele alla sua linea, resta sul perimetro che controlla: musica, ritmo, lavoro, e quel gesto netto con cui ha separato il Festival dal teatrino delle “presenze eccellenti”.

Il resto lo farà, come sempre, la marea: i rumor sui successori, le fantasie sui colpi di scena, i titoli in anticipo e le smentite in ritardo. Conti intanto ha detto la cosa più sanremese e meno sanremese possibile: mi fermo. E l’ha detta senza tremare. Ora tocca agli altri riempire il vuoto. Con idee nuove, entusiasmo nuovo e – inevitabilmente – un nuovo giro di fumo.

“Portobello” è una serie, certo.Ma ha la struttura mentale di un film lungo, anzi di un film lunghissimo: un crescendo costruito a grana grossa e poi rifinito col bisturi, dove ogni scena aggiunge pressione fino a rendere l’aria irrespirabile. Non è solo la storia di Enzo Tortora: è la radiografia di un’Italia che riesce a trasformare una tragedia pubblica in una specie di gran farsa, e a farlo con un’energia così naturale da sembrare inevitabile. È qui che Marco Bellocchio colpisce: non cerca il colpevole unico, non consegna allo spettatore un comodo bersaglio morale. Mostra un sistema. E quando il sistema si muove, macina tutto, anche ciò che non dovrebbe mai toccare.

La chiave del racconto, in questa opera, è il cortocircuito tra due verità incompatibili: da una parte l’idea di giustizia come macchina razionale, dall’altra l’uso della giustizia come palco, arma, vendetta, scorciatoia. In questa storia la materia prima è un’arma sporca: i cosiddetti “pentiti”. Ma qui “pentito” è una parola che va maneggiata con le pinze e, sì, con le virgolette. Perché, mentre nel “Traditore” Bellocchio aveva raccontato un uomo che apre una porta su un mondo reale e terribile, qui mette in scena l’altra faccia della medaglia: una banda di presunti collaboratori che si inventa racconti sempre più improbabili, non per amore della verità ma per regolare conti e spostare equilibri nella guerra di camorra attorno a Raffaele Cutolo. Il punto non è solo che le storie siano false. È che sono false in modo sfacciato. Eppure, proprio quelle storie diventano credibili perché qualcuno ha bisogno che lo siano.

Nel cuore nero di “Portobello” c’è un personaggio che è già di per sé un dispositivo narrativo: Giovanni Pandico. È il tipo di figura che, in un Paese sano, resterebbe confinata tra le pieghe dell’assurdo. Qui invece diventa perno, detonatore, miccia. Bellocchio lo racconta per quello che è: un uomo che prima ancora di essere un camorrista è un pazzo vero, uno che in carcere non perde una puntata e arriva a convincersi di comunicare telepaticamente con Tortora.È un dettaglio che non serve a fare folklore: serve a far capire quanto il meccanismo sia fragile e insieme spietato. Quando Pandico si convince – a torto – di non aver ricevuto risposta a una lettera, costruisce un castello di carte. E il castello, come spesso accade quando la fantasia viene premiata dal potere, non resta privato: diventa atto giudiziario, poi notizia, poi verità percepita.

Qui sta l’orrore elegante di Bellocchio: mostra come una costruzione mentale possa trasformarsi in costruzione processuale. E quando la costruzione processuale entra nella sfera pubblica, diventa una seconda condanna, quella che non ha bisogno di sentenze: la condanna sociale. La serie riesce a rendere questa metamorfosi con una progressione quasi musicale: all’inizio sembra un errore, poi una forzatura, poi una valanga. A un certo punto non è più una “vicenda giudiziaria”: è una macchina che si alimenta da sola e che trova carburante in ogni parola, in ogni indiscrezione, in ogni titolo urlato.

Il paragone che viene naturale – e Bellocchio ci gioca senza ammiccare – è quello kafkiano. Non per citazionismo, ma per sostanza. L’idea è semplice e terrificante: un cittadino viene inghiottito da un meccanismo grottesco sul quale non ha alcun controllo. Tortora diventa un nome che smette di essere persona e diventa simbolo, bersaglio, prova di forza. E proprio qui “Portobello” si rivela un’opera intelligente: non cade nel manicheismo. Non racconta “i magistrati” come blocco unico. Dentro ci sono pm da operetta, sì, e anche figure ambigue e opache. Ma ci sono anche avvocati e giudici con la schiena dritta, capaci di rifare il percorso e di rovesciare il tavolo quando il tavolo è truccato. È un punto fondamentale, soprattutto oggi, perché l’opera non chiede di tifare: chiede di guardare. E guardare, in certi casi, è più scomodo che schierarsi.

Tra i punti principali della storia – e Bellocchio li mette in fila senza didascalie – ci sono tre snodi che restano addosso. Il primo è la potenza della menzogna quando coincide con l’interesse: i “pentiti” costruiscono versioni utili e quelle versioni diventano moneta spendibile. Il secondo è la fragilità dell’istituzione quando cerca scorciatoie: basta poco per confondere un dettaglio con una prova, un racconto con un riscontro. Il terzo è la responsabilità del racconto pubblico: quando il caso diventa spettacolo, la verità si deforma perché deve stare nei tempi del consumo, non nei tempi della verifica.

E poi c’è la materia che rende tutto credibile: gli attori. Bellocchio, tra questa serie ed altre sue opere recenti, ha messo insieme un “portfolio” della recitazione italiana che non è semplice elenco di bravi: è un’idea di corpo, voce, presenza. Fabrizio Gifuni regge il peso di Tortora con una misura che non cerca la santificazione: resta uomo, e proprio per questo fa male. Lino Musella nel ruolo di Pandico è funambolico e mefistofelico: non lo rende mostro, lo rende instabile, imprevedibile, pericoloso nel modo in cui lo sono i personaggi che non distinguono più tra immaginazione e realtà.

E poi ci sono interpretazioni “sotto traccia” che fanno la differenza, come un Alessandro Preziosi inedito, grigio, controllato, capace di stare dentro la scena senza chiedere attenzione. E i giovani che, in pochi minuti, disegnano persone che sembrano avere una vita fuori dallo schermo: Irene Maiorino, Giovanni Buselli, Gianluca Gobbi, Alessandro Fella.

La cosa più spaventosa di “Portobello”, però, non è la singola falsità. È l’insieme: la sensazione che l’Italia sappia costruire tempeste perfette quando si incastrano tre ingredienti – ambizione, superficialità, desiderio di colpire – e che poi sappia rimuoverle con la stessa velocità con cui le ha create.Bellocchio non te lo spiega. Te lo fa sentire. E quando finisce, la domanda resta sospesa: non “chi ha sbagliato”, che è la via facile, ma “quante volte può succedere, di nuovo, con un altro nome”